독일 영화

2. 역사

1895년 11월 1일, 막스와 에밀 스클라다노우스키 형제는 자신들이 발명한 영사기를 베를린에서 선보였다. 이는 뤼미에르 형제가 파리에서 시네마토그래프를 상영하기 전이었다. 독일 영화의 선구자로는 오스카 메스터, 막스 글리에베, 촬영 감독 귀도 시에베르 등이 있다.

초기 영화는 부유층의 관심을 끌었지만, 곧 그 새로움은 사라졌다. 이후 노동자나 중하류층을 위한 단편 영화가 제작되어 유원지 등에서 상영되었고, 이러한 상영 장소는 ''킨토프''라고 불렸다. 예술가 기질의 영화 제작자들은 문학 작품을 기반으로 한 더 긴 작품을 제작하며 이러한 경향에 맞섰다. 독일 최초의 "예술적인" 작품은 1910년경부터 제작되기 시작했으며, 1913년에는 에드거 앨런 포의 『프라그의 대학생』이 제작되었다. 이 영화는 파울 베게너와 슈테판 라이가 공동 감독하고, 귀도 시에베르가 촬영했으며, 막스 라인하르트 극단의 배우들이 출연했다.

1914년 이전부터 많은 외국 영화가 수입되었다. 무성 영화 시대에는 언어 장벽이 없었고, 독일에서는 특히 덴마크 영화와 이탈리아 영화가 인기를 끌었다. 특정 배우를 더 보고 싶어하는 관객의 요구는 영화 스타를 탄생시켰다. 독일 영화사 초기 스타로는 헤니 폴텐, 덴마크 출신의 아스타 닐센 등이 있다. 인기 영화의 속편을 보고 싶다는 요구는 연속물 작품을 만들었으며, 특히 미스터리 영화가 인기를 끌었다. 프리츠 랑은 이 분야에서 경력을 시작했다.

제1차 세계 대전 발발과 함께 프랑스 영화 등에 대한 보이콧이 시작되었지만, 이는 시장에 큰 공백을 만들었다. 1916년 당시 이미 2000개 이상의 영화 상영관이 독일에 있었고, 상영 작품 부족으로 인해 다른 작품으로 채워야 했다. 1917년, 독일 영화 산업의 국영화 시작으로 UFA가 설립되었고, 새로운 미디어는 연합군의 선전을 추진하는 효과적인 수단으로 사용되었다. 군의 보호 아래, ''조국'' 영화라고 불리는 선전 영화가 제작되었다. 대중은 이를 받아들였고, 독일 영화는 유럽 최대 규모로 성장했다.

제1차 세계 대전 이후 영화는 대중에게 환상의 세계로 도피하는 수단이 되었고, 영화 산업은 호황을 맞았지만 제작 예산은 항상 부족했고 현장에서는 절약을 해야 했다. 그러나 이러한 상황과 당시 유럽에 가득했던 미래에 대한 기대 등이 독일 표현주의의 융성의 요인이 되었다. 표현주의 영화는 스토리를 전달할 때, 사실주의가 아닌 상징주의나 비유 표현에 의존했다. 표현주의 영화의 시작은 종종 로베르트 비네의 『칼리가리 박사』(1920)라고 한다. 독일 표현주의에서 중요한 기타 작품으로는 F・W・무르나우의 『노스페라투』(1922)와 카를 베제와 파울 베게너의 『골렘』(1920) 등이 있다. 1920년대 중반에 표현주의 영화의 움직임은 끝났지만, 그 후에도 미국의 호러 영화나 필름 느와르, 유럽의 장 콕토나 잉마르 베리만 작품 등, 전 세계의 영화에 영향을 계속 미쳤다.

UFA는 1921년에 민영화되어 1920년대에는 연간 600편의 영화를 제작하는 등, 독일 영화계의 중심이 되었다. 당시 베를린에는 230개의 영화 제작 회사가 있었다. 그러나 바이마르 공화국 하의 경제가 불안정했기 때문에 영화 산업도 취약했다. 영화 제작 비용은 종종 매우 컸고(프리츠 랑의 『메트로폴리스』 등), 영화 제작 회사의 도산이나 파산을 일으키는 일도 많았다. UFA도 미국의 파라마운트 픽쳐스나 메트로 골드윈 메이어와 불리한 파트너십을 맺을 수밖에 없었지만, 1927년 애국심이 강한 실업가 알프레트 후겐베르크에게 인수되었다. 경제적 어려움이 있었지만 UFA는 에른스트 루비치의 『정열』(1919), 프리츠 랑의 『니벨룽겐』(1924), F・W・무르나우의 『마지막 인간』 등, 많은 걸작을 낳았다. 1912년에 설립되어, 후에 UFA에 흡수된 대규모 스튜디오 바벨스베르크 영화 스튜디오에서 랑은 『메트로폴리스』를 촬영하여 독일 영화의 기반을 닦았다.

바이마르 공화국 하에서는 영화 산업의 발달에 따라, 영화 평론도 하나의 분야로서 발달하여, 루돌프 아른하임이나 발라즈 벨러, 로테 아이스너 등이 등장했다.

1920년대, 표현주의의 영향이 옅어짐에 따라, 다양한 장르와 스타일이 발달해 갔다. 신즉물주의의 영향을 받은 영화는 사회적인 주제와 리얼리즘으로 돌아가기 시작했고, 게오르크 빌헬름 파브스트의 『즐거움 없는 거리』(1925)나 『판도라의 상자』(1929) 등이 히트했다. 신즉물주의는 더욱 낙태나 매춘, 동성애, 의존증과 같은 당시 스캔들이었던 소재를 다룬 작품을 낳는 결과로 이어졌다. 대조적으로 이 시기, 아르놀트 팡크가 선구자가 된 산악 영화라는 장르가 발달했다. 또한, 로테 라이니거나 오스카 피싱거, 발터 루트만과 같은 애니메이터와 영화 감독은 매우 활발하게 실험적인 작품을 제작했다. 루트만의 실험적 다큐멘터리 ''Berlin: Die Sinfonie der Großstadt''(1927)에서는, 에너지 넘치는 1920년대의 베를린을 볼 수 있다. 또한, 바이마르 시대의 정치적 견해가 영화에도 영향을 미쳤다. 오토 게뷔르가 프리드리히 2세를 연기한 애국적인 영화 시리즈가 1920년대에 걸쳐 제작되었고, 신즉물주의에 영향을 받은 영화를 퇴폐적이라고 비판한 우익층의 지지를 받았다.

1920년대 후반에는, 음성의 도래로 인해, 바이마르 공화국 하의 마지막 독일 영화의 번영이 도래했다. 음성 영화는 곧 독일 영화계에 침투했고, 1932년에는 음향 설비가 갖춰진 영화관이 3,800개나 있었다. 오스트리아 출신 감독 요제프 폰 슈테른베르크의 『푸른 천사』(1930)는 독일 영화에서 최초의 토키 작품(독일어와 영어 양쪽으로 촬영)이며, 마를렌 디트리히를 국제적인 스타로 만들었다. 기타 초기 토키 작품으로는 파브스트의 『서푼짜리 오페라』(1931), 랑의 『M』(1931) 등이 있다. 베르톨트 브레히트는 공산주의를 지지하는 영화 『쿨레 맘페』(1932)에도 관여했지만, 이 작품은 개봉 후 상영 금지되었다.

바이마르 공화국 시절의 경제적·정치적 불안으로 많은 영화감독과 배우들이 독일을 떠나 특히 미국으로 이주했다. 에른스트 루비치는 1923년 할리우드로 이주했고, 헝가리 출신의 마이클 커티스는 1926년에 이주했다. 1933년 나치당이 정권을 잡은 후 유출은 더욱 확대되었다. 약 1,500명에 달하는 영화감독, 프로듀서, 배우 및 기타 영화 제작자들이 이주한 것으로 보인다. 여기에는 UFA의 수장이었던 프로듀서 에리히 포머, 여배우 마를렌 디트리히, 배우 피터 로리, 영화감독 프리츠 랑 등이 있다. 랑의 독일 탈출은 유명하다. 랑의 『메트로폴리스』를 본 요제프 괴벨스는 자신의 선전 영화 제작팀의 리더가 되어 달라고 랑에게 요청했다고 하며, 유대인이었던 랑은 그날 프랑스로 혼자 도망쳤다고 한다. 많은 장래가 촉망되는 젊은 감독들도 미국으로 도망쳐 할리우드에서 그 재능을 발휘하며 미국 영화계에 큰 영향을 미쳤다. 1930년대에 유니버설 영화가 양산한 호러 영화의 대부분은 이러한 독일 감독들의 작품이었다. 영화감독 에드가 울머나 더글러스 서크, 오스트리아 출신 각본가(후에 영화감독이 됨) 빌리 와일더 등도 나치 정권을 피해 미국으로 이주하여 할리우드에서 성공했다. 그러나 나치에 의해 박해받은 영화인 모두가 탈출한 것은 아니었고, 예를 들어 배우이자 영화감독이었던 쿠르트 게른은 강제 수용소에서 사망했다.

나치가 정권을 잡은 지 몇 주 후인 1933년 3월, 알프레트 후겐베르크는 유대인 직원을 해고하고 UFA를 변화시켰다. 같은 해 6월, 나치당은 제국 영화관을 설립하여 유대인과 외국인을 배제하고 영화 산업을 통제하게 된다. 강제적 동일화의 일환으로, 독일의 모든 프로덕션은 괴벨스 관할하의 국민 계몽 및 선전성에 속하는 제국 영화관에 소속되었고, 영화 산업에 종사하는 모든 사람들은 ''Reichsfachschaft Film''의 멤버가 되어야 했다. 아리아인이 아닌 영화인이나 정치적, 개인적으로 나치에 의해 받아들여지지 않은 영화인은 업계에서 배제되었다. 이로 인해 약 3,000명이 영향을 받은 것으로 보인다. 또한, 언론인들도 선전성 아래 조직되었고, 그 결과 1936년에는 영화 비평이 금지되고 ''Filmbeobachtung''(「영화 보고서」)으로 대체되었다. 언론인들은 영화의 내용을 보고하는 것만 허용되었고, 작품에 어떠한 평가도 내릴 수 없게 되었다.

독일 영화 산업은 전체주의에 휩싸여 어떤 영화도 나치 체제와 조화를 이루지 않으면 제작할 수 없게 되었다. 그러나 반유대주의 선전 작품도 있었지만, 대부분의 독일 영화는 엔터테인먼트 요소가 강했다. 1936년부터 외국 영화의 수입이 제한되기 시작했고, 1937년에 국영화된 업계는 그 공백을 메워야 했다. 제2차 세계 대전 말기가 되면서, 점점 짙어지는 독일의 패색에서 대중의 시선을 돌릴 수 있는 영화는 히틀러 정부에게 더욱 중요해졌다. 전시 중에 가장 히트한 영화는 뮤지컬 요소와 애국적 선전을 포함한 전시 로맨스 영화였다. 또한, 초기 컬러 작품이었던 코믹 뮤지컬 영화나 요한 슈트라우스 2세의 오페레타 영화화 작품 등도 인기를 끌었다. 일반 대중을 즐겁게 하고 선전도 촉진할 수 있는 영화는 국가에게 중요한 도구가 되었다.

이 시대, 많은 재능 있는 영화인들의 유출과 정치적 제약에도 불구하고, 아그파 컬러의 도입에 대표되는 영화 기술 및 예술성의 진전이 있었다. 그 대표적인 인물은 레니 리펜슈탈이다. 리펜슈탈의 작품 - 1934년 뉘른베르크에서 열린 전국 당대회를 담은 다큐멘터리 『의지의 승리』(1935)와 1936년 여름의 베를린 올림픽에 관한 다큐멘터리 『올림피아』(1938) – 는 카메라 워크가 뛰어난 작품으로, 후대에게 큰 영향을 미쳤다. 그러나 두 작품 모두, 특히 『의지의 승리』는 나치를 찬양하는 작품으로, 현재에도 문제시되고 있는 작품이다.

제2차 세계 대전 이후의 점령과 부흥은 독일 경제 전체에 큰 변화를 가져왔다. UFA의 주식은 연합국에 몰수되었고, 해체 과정에서 영화 제작 라이선스는 소규모 제작 회사로 분할되었다. 1949년에 시행된 점령법의 영향으로, 독일 영화를 보호하기 위해 외국 영화 수입에 제한을 가하는 것이 금지되었는데, 이는 MPAA를 대표로 하는 미국 영화계의 압력이 있었기 때문이다.

황폐한 상황 속에서는 놀라운 일은 아니지만, 전시중에 비해 1945년의 관객 동원 수는 감소했다. 이 시기, 독일 국민은 처음으로 자유롭게 다른 나라의 영화를 접할 수 있게 되었고, 특히 채플린의 작품이 인기가 있었다. 그러나 1940년대부터 1950년대에 들어서기까지 독일 국내에서의 독일 영화의 점유율은 여전히 높았으며, 시장의 40% 정도는 독일 영화가 차지하고 있었고, 미국 영화는 30% 정도였다.

전후 바로 제작된 많은 독일 영화는 ''트뤼머필름''([폐허 영화])이라는 장르로 분류된다. 이러한 작품들은 네오리얼리즘, 특히 로베르토 로셀리니의 『독일 1945년』(1948)을 포함한 3부작과 밀접한 관계가 있으며, 당시 황폐한 독일에서 살아가는 사람들의 일상과, 나치 시대에 일어난 사건을 다루고 있었다. 그러한 작품에는 전후 첫 독일 영화인 볼프강 슈타우테의 『우리 중의 살인자들』 (1946), 볼프강 보르헤르트의 희곡을 볼프강 리벤라이너가 영화화한 『Liebe 47』 (1949) 등이 있다.

1950년대 서독에서는 1952년 텔레비전이 등장했음에도 불구하고 영화관 관람객 수가 1950년대 내내 증가했다. 이 시대를 특징짓는 장르로 ''Heimatfilm''(고향 영화)을 빼놓을 수 없다. 이 장르의 작품은 종종 바이에른 주, 오스트리아 또는 스위스의 산악 지대나 전원 지대를 배경으로 하며, 사랑과 가족에 관한 도덕적인 이야기가 펼쳐진다. 이러한 작품들은 당시 영화 평론가들의 관심을 거의 받지 못했지만, 현재는 "경제 기적" 하에서 서독 문화를 알기 위한 목적으로 연구되고 있다. 그 외, 이 시기에 인기를 얻었던 장르에는 오페레타 영화화, 병원을 배경으로 한 멜로 드라마, 코미디와 뮤지컬이 있다. UFA의 초기 작품을 리메이크한 영화도 많았다.

1955년 독일 연방군의 재무장으로 인해 제2차 세계 대전 당시 용감한 병사들을 묘사한 전쟁 영화가 인기를 얻게 되었다. 또한, 반 히틀러를 외친 군인들에 관한 영화도 제작되었다.

1950년대, 독일 영화는 본국에서 활발하게 제작되어 인기를 누리며 전후 황금기를 맞이했다. 그럼에도, 베를린 국제 영화제 황금곰상을 수상한 『Die Ratten』(1955년), 미국의 아카데미 국제영화상에 노미네이트된 『Der Hauptmann von Köpenick』(1956년), 『Helden』(1958년), 베른하르트 비키 감독의 『다리』(1959년) 등과, 후에 배우 힐데가르트 크네프, 로미 슈나이더, 호르스트 부흐홀츠, 마리아 셸, 하디 크루거, 막시밀리안 셸, 카를하인츠 뵈름, 게르트 프로베, 나자 틸러, 발터 길러, 하네스 메세머, 쿠르트 율겐스, 요아힘 한젠, 리젤로테 풀퍼, 카린 돌, 마리안네 코흐, 페터 판 아이크, 크리스티네 카우프만, 오스카 베르너, 마리아 페르시, 엘케 소머, 마리오 아돌프, 젠타 베르거 등, 몇몇 영화와 영화 감독, 배우들은 국제적으로도 활약했다.

1950년대 말까지 증가 추세였던 관객 동원 수는 정체되었고, 1960년대에는 급격한 감소를 보였다. 1969년, 서독의 연간 관객 동원 수는 1억 7,220만 명으로, 이는 1956년 동원 수의 4분의 1에도 미치지 못했다. 그 결과 많은 제작사나 배급사가 도산했고, 또한 많은 영화관이 폐쇄되었다. 1960년대 10년 동안 영화관 수는 절반으로 줄어들었다.

처음에는 관객 동원 수 감소가 과잉 생산 때문이라고 비판받았기 때문에, 독일 영화 업계는 제작 편수를 줄여나갔다. 1955년에는 123편의 영화가 제작되었지만, 1965년에는 65편으로 줄었다. 그러나 문제는 경제적, 사회적 변화에 의한 것이었고, 근본적인 원인은 더욱 깊었다. 연방 공화국의 국민 평균 수입이 급격히 증가하면서, 이는 영화와는 다른 종류의 오락으로 이어지는 문이 되었다. 또한, 텔레비전이 영화에 필적할 만큼 대중 매체로 성장하는 시기이기도 했다. 1953년, 서독에는 텔레비전이 1만 대밖에 없었지만, 1962년에는 700만 대까지 증가했다.

1960년대 독일 영화 작품은 대부분 장르 영화였다. 이 시기에 인기를 끌었던 작품으로는 카를 마이 원작에 피에르 브리스 주연의 서부극 시리즈와 스릴러 영화, 범죄 영화, 에드거 월러스 원작에 클라우스 킨스키와 하인츠 드라헤, 요아힘 푹스베르거가 출연한 시리즈, 소프트 코어 포르노 및 익스플로이테이션 영화 등이 있었다.

독일에서 예술과 영화의 침체에 대항하듯이 1962년 2월 28일, 젊은 영화감독 그룹이 "오버하우젠 선언"을 발표했다. 멤버였던 알렉산더 클루게, 에드가 라이츠, 페터 샤모니 등은 "낡은 영화는 죽었다. 우리는 새로운 영화를 믿는다."라고 선언했다. 폴커 슐뢴도르프, 베르너 헤어조크, 장마리 스트로브, 빔 벤더스, 한스위르겐 지버베르크, 라이너 베르너 파스빈더 등 젊은 감독들도 이 선언에 동조하여 기존 영화 산업을 부정하고 상업적 성공보다는 예술성에 중점을 둔 새로운 독일 영화를 만들어내는 활동을 시작했다.

1965년, 자금 지원을 위해 '''뉴 저먼 시네마'''를 지원하기 위해 내무성 산하에 ''Kuratorium Junger Deutscher Film'' (젊은 독일 영화 위원회)가 설립되었다. 뉴 저먼 시네마 감독들은 기존 스튜디오 등과 협력하는 것을 거부했기 때문에 텔레비전 방송국으로부터 자금 지원을 받는 경우가 많았다. 젊은 감독들은 그러한 환경 속에서 다큐멘터리나 텔레비전 시리즈에서 활약했다. 그러나 방송국은 그들의 영화 작품을 텔레비전에서 방영하고 나중에 극장 개봉하는 형태가 되어 흥행적으로 성공하지 못했다.

그 상황은 1974년에 독일 공영 방송 연맹(ARD), 제2독일텔레비전(ZDF) 등 주요 텔레비전 방송국 사이에 ''Film-Fernseh-Abkommen'' (영화 및 텔레비전 협약)이 설정되면서 바뀌었다. 이 협정에 따라 영화 작품은 텔레비전에서 극장 개봉 후 24개월 후에 방영되었다. 한편, 비디오나 DVD는 개봉 6개월 후에 발매할 수 있었다. 그 결과, 뉴 저먼 시네마 작품들은 텔레비전에서 방영되기 전에 극장에서 상영되어 흥행 성적을 올릴 수 있게 되었다.

뉴 저먼 시네마의 움직임은 바이마르 공화국 후기 번영 이후 처음으로 독일 영화의 평가를 국제적으로 높이는 계기가 되었다. 클루게의 『어제로부터의 이별』(1966), 헤어조크의 『아귀레, 신의 분노』(1972), 파스빈더의 『불안은 영혼을 잠식한다』(1974)와 『마리아 브라운의 결혼』(1979), 벤더스의 『파리, 텍사스』(1984)는 국제적으로 높은 평가를 받았다. 이러한 영상 제작자들은 독일 국내보다 해외에서 먼저 평가받는 경우가 많았다. 전후 독일의 대표적인 소설가인 하인리히 뵐이나 귄터 그라스 등의 작품이 영화화되어, 『카타리나 블룸의 잃어버린 명예』(1975)와 『양철북』(1979)가 제작되었다. 특히 『양철북』은 독일 영화로서 처음으로 아카데미 외국어 영화상을 수상했다. 또한, 뉴 저먼 시네마 시대에는 많은 여성 감독들이 등장하여 마르가레테 폰 트로타, 헬마 잔더스 브라함스 와 헬케 잔더 등이 활약했다.

뉴 저먼 시네마는 영화 산업에 대한 공적 예산 지원과 독일 영화의 국제적 지위 향상 등 어느 정도의 목적을 달성했지만, 1980년대에 그 힘이 약해졌다.

1980년대에 히트한 작품으로는 볼프강 페터젠의 네버엔딩 스토리(1984), 독일 영화 사상 최다 아카데미상 6개 부문에 노미네이트된 U-보트(1981) 등이 있다. 1980년대에 활약한 영화 감독으로는 베른트 아이힝거, 도리스 데리, 울리 에델, 비코 폰 뷔로우(로리오) 등이 있다.

주류에서 벗어난 곳에서는 스플래터 영화 감독 위르크 부트게라이트, 실험 영화 감독 베르너 네케스와 크리스토프 슐링겐지프가 1980년대에 등장했다. 1970년대부터 이어져 온 아트 영화(''Programmkinos'')의 발달이 이러한 마이너 영화 감독들의 활약의 장을 제공했다.

1980년대 중반부터 비디오 카세트가 보급되기 시작했고, RTL 텔레비전과 같은 TV 방송국도 개국하면서 영화 산업에 강력한 경쟁 상대가 되었다. 영화관 관객 동원 수는 지금까지 최저였던 1976년 1억 1,510만 명에서 더욱 감소하여 1989년에는 1억 160만 명이 되었다. 그러나 이러한 TV 방송국이 영화 산업에 자금을 제공하게 되었고, 후에 영화 산업으로 옮겨가는 새로운 재능의 발사대가 되었다.

동독에는 당시 소련 점령 지역에 남아 있던 UFA 스튜디오 등 영화 산업에 관한 기반이 있었고, 서독에 비해 영화 제작이 순조롭게 시작될 수 있었다. 소련 관계자는 영화 산업을 다시 진흥시키는 데 열심이었고, 독일 항복 불과 3주 후인 1945년 5월에는 베를린의 영화관을 재개하도록 명령했다. 1946년 5월에 제작 회사 「DEFA」가 설립되어 1945년 10월에 소련군 점령 당국에 의해 압수되었던 영화 관련 시설을 인수하게 된다. 명목상으로는 주식회사였지만, DEFA의 주식 대다수는 독일 민주 공화국 (GDR)의 제1당이 된 독일 사회주의 통일당 (SED)이 소유하고 있었으며, 사회주의를 칭양하고 탈나치화를 추진하는 목적이 있었다.

DEFA는 약 900편의 장편 영화, 약 800편의 애니메이션 영화, 3000편 이상의 다큐멘터리 영화와 단편 영화를 제작했다. DEFA 초기에는 영화 제작이 엄격한 감시하에 놓여 그 내용은 사회주의를 추진하는 내용으로 제한되었다. 뉴스 영화와 교육 영화를 제외하고 1948년부터 1953년 사이에 50편의 영화만 촬영되었다. 그러나 차츰 다양한 장르의 영화가 많이 제작되게 되었다. DEFA는 특히 어린이를 위한 판타지 영화를 특징으로 했지만, 그 외에도 SF 영화, 스타니스와프 렘의 소설을 각색한 서부극 등도 제작했다. 이러한 작품들은 바르샤바 조약 기구에 속하는 다른 나라와 공동 제작되는 경우도 많았다.

그 외 DEFA 제작 영화로는 하인리히 만 원작, 볼프강 슈타우테 감독의 『신민』(1951), 크리스타 볼프의 소설을 영화화한 작품, 프랑크 바이어가 유레크 베커 작품을 영화화한 『거짓말쟁이 야코프』(1973) 등이 있다.

독일 민주 공화국에서 영화 산업은 항상 국가의 정세에 좌우되었다. 예를 들어 1950년대, 바이마르 시대의 공산주의 지도자 에른스트 텔만은 몇몇 영화에서 성인과 같은 취급을 받았지만, 1960년대에 들어서 영화 제작자들은 노골적인 스탈린주의적 접근 방식에서 점차 벗어났다. 그러나 그들이 독일 사회주의 통일당의 정치인들의 변덕에 휘둘리는 것은 변함이 없었다.

1970년대 후반, 안젤리카 돔뢰제, 에바=마리아 하겐, 카타리나 탈바흐, 힐마르 테이츠, 아르민 뮐러-슈탈 등 많은 영화인들이 직업상의 제약을 싫어해 서방으로 탈출했다.

독일 민주 공화국 후기에 외국 영화의 배급이 확산되면서, 결과적으로 DEFA의 중요성은 희미해졌다. 독일 재통일에 이어 1992년 DEFA는 국유 자산의 민영화를 추진하는 신탁 조직에 매각되었고, 영화 아카이브 등의 지적 자산은 비영리 단체인 DEFA-재단에 인계되었다.

현재 독일의 주요 영화 제작사로는 콘스탄틴 필름, 스튜디오 함부르크 등이 있다. 같은 언어와 민족 국가인 오스트리아, 스위스와의 합작도 많아 매우 활발하다. 예술성을 추구하는 작품뿐만 아니라, 높은 퀄리티의 오락 작품도 꾸준히 제작되고 있다.

최근 공개된 톰 티크베어 감독의 『로라 런』, 볼프강 베커의 『굿바이 레닌!』, 파티 아킨의 『사랑보다 아름다운 것』, 올리버 히르비겔의 『몰락』, 아카데미 외국어 영화상을 수상한 플로리안 헨켈 폰 도너스마르크의 『타인의 삶』 등은, 자극적이고 혁신적인 뉴 저먼 시네마 시대를 떠올리게 한다. 『몰락』, 『타인의 삶』, 『백장미의 기도 - 소피 숄, 마지막 날들』, 『드레스덴, 운명의 날』, 『히틀러의 위조지폐』 등은, 전체주의 하에 있던 20세기 독일의 역사를 재검증하는 작품이라고 할 수 있다.

독일에서 활약하는 감독으로는 이 외에도 제엔케 보르트만, 카롤리네 링크, 하룬 파로키, 한스 크리스티안 슈미트, 크리스티안 펫졸트, 토마스 아르슬란, 안드레아스 드레젠, 울리히 쾰러, 울리히 자이델, 세바스티안 쉬퍼, 미하엘 헤르비히 등이 있다.

2. 1. 1895–1918 독일 제국

2. 2. 1918–1933 바이마르 공화국

2. 3. 1933–1945 나치 독일

2. 4. 1945–1989 분단 시대

2. 4. 1. 서독 (1945-1989)

2. 4. 2. 동독 (1945-1989)

2. 5. 1990–현재 독일

3. 주요 특징

제1차 세계 대전 이후 영화는 대중에게 환상의 세계로 도피하는 수단이 되었고, 영화 산업은 호황을 맞이했지만 제작 예산은 항상 빠듯했다. 이러한 상황과 당시 유럽에 가득했던 미래에 대한 기대 등이 독일 표현주의 융성의 요인이 되었다.^[16] 표현주의 영화는 사실주의가 아닌 상징주의나 비유 표현에 의존하여 이야기를 전달했다. 로베르트 비네의 칼리가리 박사의 밀실(1920)은 표현주의 영화의 시작으로 종종 일컬어진다. F. W. 무르나우의 노스페라투(1922)와 카를 베제와 파울 베게너의 골렘(1920) 등도 독일 표현주의의 중요한 작품이다. 표현주의 영화는 1920년대 중반에 종언을 맞이했지만, 미국의 호러 영화나 필름 느와르, 유럽의 장 콕토나 잉마르 베리만 작품 등 전 세계 영화에 영향을 계속 미쳤다.^[21]

신즉물주의의 영향을 받은 영화는 사회적인 주제와 리얼리즘으로 돌아가기 시작했고,^[16] 게오르크 빌헬름 파브스트의 즐거움 없는 거리(1925)나 판도라의 상자(1929) 등이 히트했다. 신즉물주의는 낙태, 매춘, 동성애, 의존증과 같은 당시 스캔들이었던 소재를 다룬 작품들을 낳았다.^[22]

바이마르 시대의 정치적 견해는 영화에도 영향을 미쳤다. 오토 게뷔르(Otto Gebühr)가 프리드리히 2세를 연기한 애국적인 영화 시리즈가 1920년대에 걸쳐 제작되었고, 신즉물주의 영화를 퇴폐적이라고 비판한 우익층의 지지를 받았다.^[25] 베르톨트 브레히트는 공산주의를 지지하는 영화 쿨레 맘페(1932)에 관여했지만, 이 작품은 개봉 후 상영 금지되었다.

3. 1. 사조와 경향

독일 영화의 역사는 매체의 탄생 시기로 거슬러 올라갈 수 있다. 오토마르 안슈츠는 1894년 11월 25일 베를린의 포스트푸람트에서 움직이는 실물 크기의 사진을 최초로 상영했다.^[9][10] 1895년 11월 1일, 막스 스클라다노프스키와 그의 형제 에밀은 직접 발명한 필름 영사기, 즉 바이오스코프를 베를린의 빈터가르텐 음악당에서 시연했다. 15분 분량의 8편의 단편 영화가 상영되었는데, 이것이 유료 관객을 대상으로 한 최초의 영화 상영이었다.^[11] 이 공연은 같은 해 12월 28일 파리에서 뤼미에르 형제의 시네마토그래프가 처음으로 유료로 상영되기 전에 열렸으며, 막스 스클라다노프스키는 이 공연에 참석하여 시네마토그래프가 기술적으로 자신의 바이오스코프보다 우수하다는 것을 확인할 수 있었다. 다른 독일 영화 선구자로는 베를린 출신인 오스카 메스터와 막스 글리에베가 있는데, 이들은 1896년에 영사기에서 처음으로 제네바 드라이브 (필름을 한 번에 한 프레임씩 간헐적으로 진행할 수 있게 해주는 장치)를 독립적으로 사용한 여러 사람 중 두 명이며, 영화 촬영 기사 귀도 제버도 포함된다.

초창기 시네마토그래프는 상류층 관객을 위한 볼거리로 인식되었지만, 움직이는 사진의 참신함은 오래가지 못했다. 곧, 하류층과 중산층을 대상으로 한 유원지 볼거리로 가벼운 단편 영화가 상영되었다. 이 영화가 상영되는 부스는 독일에서 다소 경멸적으로 ''킨토프스''로 알려졌다. 예술적인 성향을 가진 영화 제작자들은 문학적 모델을 기반으로 한 더 긴 영화로 이러한 영화에 대한 시각에 반박하려고 했고, 최초의 독일 "예술" 영화는 1910년경부터 제작되기 시작했는데, 그 예로는 에드거 앨런 포 각색인 ''프라하의 학생'' (1913년)이 있는데, 이 영화는 파울 베게너와 스텔란 라이가 공동 연출하고 귀도 제버가 촬영했으며, 막스 라인하르트의 극단 배우들이 출연했다.

독일의 초기 영화 이론가들은 관객을 위한 ''샤울루스트'', 즉 "시각적 쾌락"의 중요성에 대해 글을 쓰기 시작했는데, 여기에는 다다 운동 작가 발터 제르너가 포함된다. "영화가 궁극적인 힘을 얻는 곳, 즉 인간 역사를 거슬러 올라가는 기이하게 깜빡이는 눈을 보면, 갑자기 시각적 쾌락이라는 엄청난 덩어리로 그곳에 서 있다."^[12] 시각적으로 눈에 띄는 세트와 메이크업은 제1차 세계 대전 직후에 제작된 표현주의 영화의 스타일에 핵심이었다.

영화관 자체는 제1차 세계 대전 직전 몇 년 동안 랜드마크로 자리 잡기 시작했다. 이전에는 독일 영화 제작자들이 자신의 작품을 가지고 유원지를 순회했다. 최초의 상설 영화관은 더 많은 고객을 유치할 수 있는 방법을 찾은 소유주들이 카페와 술집에 세운 것이었다. 상가형 영화관은 ''킨토프''라고 불렸으며, 제1차 세계 대전이 발발하기 전까지는 대부분 이곳에서 영화를 관람했다.^[13] 독일 최초의 독립적인 전용 영화관은 1906년 만하임에 개관했으며, 1910년까지 독일에는 1,000개가 넘는 영화관이 운영되었다.^[13] 헨니 포르텐과 아스타 닐센 (후자는 원래 덴마크 출신)은 독일 최초의 주요 영화 스타였다.^[14]

그러나 1914년 이전에는 많은 외국 영화가 수입되었다. 무성 영화 시대에는 언어 장벽이 없었고 덴마크와 이탈리아 영화가 독일에서 특히 인기가 있었다. 특정 배우가 출연하는 영화를 더 보고 싶어 하는 대중의 욕구는 다른 곳과 마찬가지로 독일에서 영화 스타 현상의 발전을 이끌었다. 여배우 헨니 포르텐은 초기 독일 스타 중 한 명이었다. 인기 있는 영화 이야기를 계속 보고 싶어 하는 대중의 욕구는 영화 연재물 특히 미스터리 영화 장르의 제작을 장려했으며, 이 장르에서 감독 프리츠 랑은 그의 빛나는 경력을 시작했다.

제1차 세계 대전의 발발과 그로 인한 프랑스 영화에 대한 보이콧은 시장에 눈에 띄는 공백을 남겼다. 1916년까지 영화 상영을 위한 2,000여 개의 고정된 장소가 있었고, 초기에는 영화 상영이 버라이어티 쇼로 보완되거나 심지어 대체되기도 했다. 1917년에는 독일 영화 산업의 집중화와 부분적인 국유화 과정이 시작되었는데, 이는 연합국이 선전 목적으로 새로운 매체를 매우 효과적으로 사용한 것에 대한 부분적인 반작용으로 Universum Film AG (UFA)가 설립되면서 이루어졌다. 군대의 후원하에 소위 ''조국'' 영화가 제작되었는데, 이는 선전과 적에 대한 비방 문제에서 연합국의 영화와 동등했다. 그러나 관객들은 빛나는 엔터테인먼트 영화의 설탕 없이 애국적인 약을 삼키는 것을 원하지 않았고, 결과적으로 Ufa도 이를 홍보했다. 독일 영화 산업은 곧 유럽에서 가장 큰 규모가 되었다.

독일 영화 산업은 제1차 세계 대전 중 외화 수입 금지 조치로 보호를 받았지만, 전쟁이 끝나자 외화 수입 금지 조치와 맞닥뜨리면서 국제 영화 산업에 노출되었다. 많은 국가에서 독일 영화 수입을 금지했으며, 관객들 스스로도 "독일"적인 것에 거부감을 느꼈다.^[16] 그러나 독일 영화에 대한 금지 조치에는 상업적인 고려 사항도 포함되었다. 한 영화사 사장은 "미국에 그런 영화들이 대거 유입되면 미국의 영화 제작자들이 독일 제작자들과 경쟁하는 것이 절대적으로 불가능해지기 때문에 수천 명의 미국인들이 일자리를 잃게 될 것이다."라고 말했다.^[15] 국내에서는 독일 영화 산업이 불안정한 경제 상황에 직면했고, 통화 가치 하락으로 인해 소규모 제작사들이 운영하기 어려워졌다. 영화 산업 자금 조달은 불안정한 사업이었고, 고비용 제작은 종종 파산으로 이어졌다. 1925년 UFA(우파)는 미국 스튜디오 파라마운트 및 MGM과 파루파메트라는 불리한 파트너십을 맺어야 했고, 1927년에는 국수주의 언론 재벌 알프레드 후겐베르크에게 인수되었다.^[17]

그럼에도 불구하고, 독일 영화 산업은 전례 없는 발전을 누렸다. 바이마르 시대의 14년 동안 연평균 250편의 영화가 제작되었으며, 총 3,500편의 장편 영화가 제작되었다.^[16] UFA(우파) 외에도, 베를린에서만 약 230개의 영화사가 활동했다. 이 산업은 유럽 전역에서 제작자와 감독을 끌어들였다. 영화가 무성 영화였고 언어가 문제가 되지 않았기 때문에, 덴마크 영화 스타 아스타 닐센이나 미국인 루이스 브룩스와 같은 외국 배우들도 주연으로 고용될 수 있었다. 이 시기는 또한 UFA(우파)가 주도한 영화 제작의 새로운 기술 발전과 세트 디자인 및 조명 실험으로도 유명하다. UFA(우파)에 통합된 바벨스베르크 스튜디오는 대대적으로 확장되었고 독일 영화 산업에 고도로 발달된 인프라를 제공했다. 바벨스베르크는 수년 동안 독일 영화 제작의 중심지였으며, 유럽에서 가장 큰 영화 스튜디오가 되었고 독일 영화의 이 "황금기"에 대부분의 영화를 제작했다.^[17] 본질적으로 "할리우드에 해당하는 독일의 존재"였다.^[18]

"게이샤, 사무라이, 신사"를 포함하는 과장된 버전의 일본 문화에 관한 영화들이 이 시대에 독일에서 인기를 끌었다.^[19]

불안정한 경제 상황으로 인해, 그리고 적은 제작 예산으로 영화 제작자들은 가능한 한 많은 관객에게 다가가 수입을 극대화하려고 노력했다. 이로 인해 다양한 장르와 스타일의 영화가 제작되었다.^[16]

바이마르 공화국 영화와 관련된 주요 영화 장르 중 하나는 예술의 표현주의 운동에서 영감을 받은 독일 표현주의 영화이다. 표현주의 영화는 이야기를 전달하기 위해 노골적인 사실주의보다는 상징주의와 예술적 이미지에 크게 의존했다. 제1차 세계 대전 이후의 암울한 분위기를 감안할 때, 이러한 영화들이 범죄와 공포에 집중한 것은 놀라운 일이 아니었다. 표현주의의 인기를 촉발한 영화로 흔히 꼽히는 작품은 에리히 포머가 제작한 로베르트 비네의 칼리가리 박사의 밀실 (1920)이다. 이 영화는 수면자를 이용하여 일련의 살인을 저지르는 정신 이상자 최면술사의 이야기를 다룬다. 이 영화는 어둡고 뒤틀린 시각적 스타일을 특징으로 한다. 세트는 비현실적이었고 바닥에는 기하학적 이미지가 칠해져 있었고 벽에는 빛과 그림자가 드리워져 있었으며, 연기는 과장되었고 의상은 기괴했다. 이러한 스타일적 요소는 이 영화 운동의 특징이 되었다. 표현주의의 다른 주목할 만한 작품으로는 프리드리히 빌헬름 무르나우의 노스페라투 (1922), 브람 스토커의 드라큘라를 각색한 최초의 장편 영화, 카를 보에제와 파울 베게너의 골렘: 세상에 온 방법 (1920), 유대 민속 이야기를 고딕 양식으로 각색한 작품, 그리고 프리츠 랑이 감독한 전설적인 SF 서사시 메트로폴리스 (1927)가 있다. 표현주의 운동은 1920년대 중반에 쇠퇴하기 시작했지만, 주요 제작자들이 헐리우드로 이주하면서 이 스타일은 세계 영화, 특히 미국 공포 영화와 필름 느와르에서, 그리고 장 콕토와 잉마르 베리만과 같은 유럽 감독들의 작품에서 수년 동안 영향력을 유지할 수 있었다.^[21]

중요성에도 불구하고, 표현주의 영화는 이 시대의 지배적인 장르가 아니었다.^[21] 시대극, 멜로드라마, 로맨틱 코미디, 사회적, 정치적 성격의 영화와 같은 다른 많은 장르가 훨씬 더 널리 퍼졌고 확실히 더 인기가 있었다.

시대극의 "거장"은 의심할 여지 없이 에른스트 루비치였다. 이 장르의 가장 주목할 만한 영화로는 프랑스 왕의 정부의 눈을 통해 프랑스 혁명을 그린 마담 뒤바리 (1919)와 헨리 8세의 두 번째 아내의 비극적인 최후를 그린 영화 안나 볼레인 (1920)이 있다. 이 영화들에서 루비치는 약점과 사소한 욕망에 사로잡혀 거대한 역사적 사건에 책임감을 느끼게 되는 저명한 역사적 인물들을 제시했다. 그는 적은 예산에도 불구하고 광범위한 관객에게 어필하고 광범위한 국제적 배급을 보장하기 위해 사치스러운 장면을 포함시켰다.

표현주의 장르가 쇠퇴하기 시작하면서 신즉물주의 영화 장르가 그 자리를 차지하기 시작했다. 이 영화는 횡행하는 인플레이션으로 인해 중산층의 경제적 지위가 악화되면서 당시 대중을 사로잡았던 새로운 문제들의 영향을 받았다. 종종 "거리 영화" 또는 "아스팔트 영화"라고 불리는 이 영화들은 모든 복잡성과 추악함 속에서 현실을 반영하려고 했다. 그들은 등장인물들을 둘러싼 물체에 초점을 맞추고, 전쟁 후 삶이 파괴된 독일 국민이 느끼는 절망을 냉소적으로 상징했다. 이 장르와 관련된 가장 저명한 영화 제작자는 게오르크 빌헬름 파브스트이며, 그의 영화로는 즐거움 없는 거리 (1925), 판도라의 상자 (1929), 잔느 네이의 사랑 (1927) 등이 있다. 파브스트는 또한 영화 편집의 혁신으로도 유명하며, 예를 들어 카메라의 각도를 반전시키거나 두 개의 카메라 앵글 사이를 자르는 등, 영화의 연속성을 향상시켰고 나중에 업계 표준이 되었다.^[17]

파브스트는 또한 신즉물주의에서 파생된 또 다른 장르인 사회적, 정치적 영화와도 관련이 있다. 이 영화 제작자들은 당시 대중을 사로잡았던 반유대주의, 매춘, 동성애와 같은 민감하고 논란이 많은 사회 문제에 감히 직면했다. 바이마르 영화는 이러한 문제에 대한 공개 토론을 주도함으로써 활기차고 중요한 역할을 했다.^[22] 파브스트는 영화 잃어버린 소녀의 일기 (1929)에서 사생아를 낳아 가족에게 버려지고 매춘에 의존하여 생존해야 하는 젊은 여성의 이야기를 들려준다. 1919년, 리하르트 오스발트의 영화 다른 사람과는 다르다는 동성애적 성향과 도덕적, 사회적 관습 사이에서 갈등하는 남자를 그렸다. 이 영화는 동성애를 다룬 최초의 독일 영화로 여겨지며, 일부 연구자들은 심지어 이 문제를 명시적으로 다룬 세계 최초의 영화라고 믿는다.^[23] 같은 해, 유대인 영화 제작자 막스 니벨리의 영화 의식 살인 (1919)이 상영되었다. 이 영화는 독일 대중에게 반유대주의와 제노포비아의 결과를 처음으로 알렸다. 이 영화는 차르 시대 러시아의 한 마을에서 유대인 주민들을 상대로 자행되는 "포그롬"을 묘사했다. 배경에는 또한 젊은 러시아인 학생과 유대인 공동체 지도자의 딸 사이의 사랑 이야기가 전개되는데, 당시에는 금기로 여겨졌다. 나중에, 빠르게 증가하는 반유대주의적 분위기를 반영하기 위해 오스발트는 그의 영화 드레퓌스 (1930)에서 같은 문제에 직면했는데, 이 영화는 현재까지도 오심과 노골적인 반유대주의의 가장 두드러진 사례 중 하나로 남아 있는 1894년의 정치적 스캔들인 "드레퓌스 사건"을 묘사했다.

바이마르 문화의 양극화된 정치 또한 일부 영화에 반영되었다. 오토 게뷔르가 프리드리히 대왕 역을 맡은 일련의 애국적인 프로이센 역사 영화가 1920년대 내내 제작되었으며, "아스팔트" 영화의 퇴폐를 강하게 비판한 민족주의 우파들에게 인기가 있었다. 바이마르 시대의 또 다른 어두운 장은 요제프 델몬트의 영화 인류 해방 (1920)에 반영되었다. 이 영화는 막스 글라스가 쓴 동명의 소설을 각색한 것으로, 1919년에 출판되었다. 이 소설은 질병과 전쟁에 휩싸인 어두운 세상을 묘사했다. 영화 제작자들은 독일 대중들 사이에서 커져가는 정치적 급진화에 대한 두려움을 반영함으로써 스토리를 보다 현대적인 맥락으로 가져가기로 결정했다. 그들은 이른바 "스파르타쿠스 봉기"로 알려진 1919년 1월 베를린 사건에 대한 최초의 허구적 설명을 제작했다. 이 영화는 또한 그 시대의 반볼셰비키 영화 중 하나로 여겨진다.^[25]

바이마르 시대의 또 다른 중요한 영화 장르는 카머슈필필름 또는 "실내 드라마"로, 연극에서 차용되어, 나중에 영화 제작자이자 감독이 된 무대 감독 막스 라인하르트에 의해 개발되었다. 이 스타일은 여러 면에서 표현주의의 볼거리에 대한 반작용이었으며, 따라서 하층 중산층의 평범한 사람들을 중심으로 전개되는 경향이 있었다. 이 장르의 영화는 종종 "본능" 영화라고 불렸는데, 등장인물의 충동과 내밀한 심리에 중점을 두었기 때문이다. 세트는 최소한으로 유지되었고, 다소 친밀하고 단순한 공간에 복잡성을 더하기 위해 카메라 움직임을 풍부하게 사용했다. 이 특정한 스타일과 관련된 작가는 또한 시나리오 작가 카를 마이어와 무르나우의 라스트 래프 (1924)와 같은 영화들이다.

산악 영화로 불리는 자연 영화 장르인 ''베르크필름''도 인기를 얻었다. 이 카테고리에서 가장 잘 알려진 것은 아르놀트 팡크 감독의 영화들로, 개인들이 산에서 자연과 싸우는 모습을 보여주었다. 로테 라이니거, 오스카 피싱거, 발터 르트만과 같은 실험 영화의 애니메이터와 감독들 또한 1920년대 독일에서 매우 활발하게 활동했다. 르트만의 실험 다큐멘터리 베를린: 대도시 교향곡 (1927)은 1920년대 베를린의 에너지를 전형적으로 보여주었다.

1920년대 말에 사운드가 등장하면서 1933년 바이마르 공화국이 붕괴되기 전 독일 영화는 마지막 예술적 절정을 맞이했다. 1918년에 세 명의 발명가가 트라이 에르곤 사운드-온-필름 시스템을 개발하고 1922년에서 1926년 사이에 이를 업계에 도입하려고 시도했다. UFA는 관심을 보였지만, 재정적 어려움으로 인해 무성 영화를 제작하지 못했다.^[29] 그러나 1920년대 후반에 독일 영화 산업에서 사운드 제작 및 배포가 채택되기 시작했고, 1932년까지 독일에는 사운드 영화를 상영할 수 있는 3,800개의 영화관이 있었다. 새로운 기술을 실험한 최초의 영화 제작자들은 종종 여러 버전으로 영화를 촬영했으며, 서로 다른 언어로 여러 사운드트랙을 사용했다. 오스트리아인 요제프 폰 슈테른베르크가 감독하고 에리히 포머가 제작한 영화 푸른 천사 (1930)는 독일어와 영어의 두 버전으로 촬영되었으며, 각 버전마다 다른 조연 배우가 출연했다. 이 영화는 독일 최초의 "토키"로 여겨지며, 주연 여배우 마를레네 디트리히를 국제적인 슈퍼스타로 만든 영화로 영원히 기억될 것이다. 1931년에 제작된 다른 주목할 만한 초기 사운드 영화로는 필 유치의 알프레드 되블린의 소설을 각색한 베를린 알렉산더 광장, 파브스트의 베르톨트 브레히트 각색 서푼짜리 오페라와 랑의 M, 그리고 베르너 호흐바움의 상트 파울리 습격 (1932)이 있다. 브레히트는 또한 출판 직후 금지된 명시적인 공산주의 영화 쿨레 왐페 (1932)의 제작자 중 한 명이기도 했다.

산업 자체의 발전 외에도, 바이마르 시대에는 루돌프 아른하임의 디 벨트뷔네와 예술로서의 영화 (1932), 벨라 발라츠의 보이는 인간 (1924), 지크프리트 크라카우어의 프랑크푸르터 차이퉁, 그리고 로테 H. 아이스너의 필름쿠리에르를 포함한 실천가들이 있는 심각한 학문으로서의 영화 비평이 탄생했다.

나치 독일

바이마르 독일의 불안정한 경제 및 정치 상황은 이미 많은 영화 제작자와 연기자들이 미국으로 떠나게 만들었다. 에른스트 루비치(Ernst Lubitsch)는 1923년에 이미 할리우드로 이주했고, 헝가리 출신인 마이클 커티즈는 1926년에 이주했다. 나치가 권력을 잡은 이후 수년 동안 약 1,500명의 감독, 프로듀서, 배우 및 기타 영화 전문가들이 이민했다. 그중에는 UFA의 프로듀서 에리히 포머, 영화사 사장, 마를렌 디트리히와 피터 로리, 그리고 프리츠 랑 감독과 같은 주요 인물들이 있었다. 랑의 미국 망명은 전설적이다. 그의 영화 ''메트로폴리스''는 요제프 괴벨스에게 깊은 인상을 주어 그에게 선전 영화 부서의 책임자가 되도록 요청했다고 한다. 랑은 대신 미국으로 도망쳐 그곳에서 길고 번창하는 경력을 쌓았다. 많은 촉망받는 독일 감독들도 미국으로 도망쳐 미국 영화에 큰 영향을 미쳤다. 1930년대의 여러 유니버설 호러 영화들은 칼 프로인트, 조 메이, 로버트 시오드맥을 포함한 독일 출신 이민자들에 의해 감독되었다. 에드가 울머와 더글러스 서크 감독과 오스트리아 출신 시나리오 작가(후에 감독) 빌리 와일더도 나치 독일에서 할리우드로 성공적인 이민을 했다. 나치 정권에 의해 위협받는 영화 산업 종사자 모두가 탈출할 수 있었던 것은 아니다. 예를 들어 배우이자 감독인 쿠르트 게론은 강제 수용소에서 사망했다.

''권력 장악'' 몇 주 안에 알프레드 후겐베르크는 사실상 UFA를 나치의 목적에 넘겼고, 1933년 3월에 유대인을 회사에서 해고했다. 몇 달 후 6월에 영화 산업을 통제하는 나치 국가 기구인 ''Reichsfilmkammer''(제국 영화 협회)가 설립되었는데, 이는 독일 영화 산업에서 유대인과 외국인의 고용을 공식적으로 배제하는 것을 의미했다. ''동조화'' 과정의 일환으로 독일의 모든 영화 제작은 ''Reichsfilmkammer''에 종속되었고, 이는 괴벨스의 선전부에 직접 책임을 지고 있으며, 업계에서 고용된 모든 사람은 ''Reichsfachschaft Film''의 회원이 되어야 했다. "비 아리안" 영화 전문가와 나치에게 용납될 수 없는 정치적 또는 사생활을 가진 사람들은 ''Reichsfachschaft''에서 배제되었고, 따라서 산업에서 고용이 거부되었다. 약 3,000명이 이 고용 금지 조치의 영향을 받았다. 또한 언론인도 선전부의 한 부서로 조직되었기 때문에 괴벨스는 1936년에 영화 비평을 폐지하고 이를 ''Filmbeobachtung''(영화 관찰)으로 대체할 수 있었다. 언론인은 영화의 내용만 보고할 수 있었고, 예술적 또는 기타 가치에 대한 판단을 내릴 수 없었다.

독일 영화 산업이 이제 효과적으로 전체주의 국가의 한 부서가 되면서, 집권 정권의 견해와 명백히 일치하지 않는 영화는 제작될 수 없었다. 그러나 흥행에 실패한 ''영원한 유대인''(1940)과 국내 및 유럽 다른 지역에서 상업적 성공을 거둔, 더 정교하지만 똑같이 반유대주의적인 ''유대인 쥐스''(1940)와 같은 반유대주의 선전 작품이 존재했음에도 불구하고, 국가 사회주의 시대의 대부분의 독일 영화는 주로 오락물로 의도되었다. 1936년 이후 외국 영화 수입이 법적으로 제한되었고, 1937년에 사실상 국유화된 독일 산업은 사라진 외국 영화(특히 미국 제작)를 보충해야 했다. 엔터테인먼트는 제2차 세계 대전 후반기에 연합군의 폭격과 독일의 일련의 패배로부터 주의를 분산시키는 데 영화관이 제공되면서 점점 더 중요해졌다. 1943년과 1944년 모두 독일의 영화 관람객 수는 10억 명을 넘어섰고, 전쟁 기간 동안 가장 큰 흥행 성공을 거둔 작품은 뮤지컬, 전쟁 로맨스, 애국심 선전을 결합한 ''Die große Liebe''(1942)와 ''Wunschkonzert''(1941), 그리고 최초의 독일 컬러 영화 중 하나인 코믹 뮤지컬 ''Frauen sind doch bessere Diplomaten''(1941), 그리고 요한 슈트라우스의 코믹 오페레타를 각색한 ''비엔나 블러드''(1942)였다. ''타이타닉''(1943)은 불운한 여객선에 관한 다른 영화에 영감을 준 대규모 예산의 서사시였다. 영화관이 선전적 가치와 대중을 즐겁게 하는 능력 모두에 대한 국가의 도구로서의 중요성은 베이트 하를란의 ''콜베르크''(1945)의 영화 제작 역사에서 볼 수 있는데, 이 영화는 나치 시대에 가장 비싼 영화였으며, 촬영을 위해 수만 명의 군인이 엑스트라로 출연하기 위해 군 위치에서 이동되었다.

많은 영화 제작자의 이민과 정치적 제약에도 불구하고, 이 시대에는 기술적, 미학적 혁신이 없었던 것은 아니며, 아그파컬러 영화 제작의 도입이 두드러진 예이다. 기술적, 미학적 성취는 또한 나치 국가의 특정 목적에 사용될 수 있었으며, 가장 훌륭하게는 레니 리펜슈탈의 작품에서 나타났습니다. 리펜슈탈의 ''의지의 승리''(1935)는 1934년 뉘른베르크 전당대회를 기록했고, ''올림피아''(1938)는 1936년 하계 올림픽을 기록했으며, 많은 후기 영화에 영향을 미친 카메라 움직임과 편집 기법을 개척했다. 두 영화, 특히 ''의지의 승리''는 미학적 장점이 나치 이상을 선전하는 것과 뗄 수 없기 때문에 여전히 매우 논란의 여지가 있다.

동독 영화는 처음에 이점을 누렸는데, 그 이유는 UFA (우파) 스튜디오와 같은 국가의 많은 영화 인프라가 소련 점령 지역에 있었기 때문이며, 이를 통해 서부 지역보다 더 빠르게 영화 제작을 시작할 수 있었다.^[34] 소련 점령 지역의 당국은 이 지역의 영화 산업을 재건하는 데 열심이었으며, 독일의 항복 후 3주 이내인 1945년 5월에 베를린의 영화관을 재개하라는 명령이 내려졌다.^[35] 영화 제작 회사 DEFA는 1946년 5월 17일에 설립되었으며, 1945년 10월 독일 주둔 소련 군정의 명령에 의해 압수된 소련 지역의 영화 제작 시설을 인수했다.^[36] 서류상으로는 주식회사였지만, DEFA의 지분 대부분은 1949년 이후 독일 민주 공화국 (GDR)의 집권당이 된 독일 사회주의 통일당(SED)이 보유하여, DEFA를 동독의 국영 영화 제작 독점 기업으로 공식 지정했다.^[37] 자매 "회사"인 Progress Film 또한 국내 영화 배급을 위한 유사한 독점 기업으로 설립되었으며, 주요 "경쟁사"는 소련 영화 배급을 담당하는 Sovexportfilm이었다.^[38]

3. 2. 기술적 발전

독일 영화의 기술적 발전은 매체의 탄생 시기로 거슬러 올라간다. 1894년 11월 25일, 오토마르 안슈츠는 베를린의 포스트푸람트에서 움직이는 실물 크기의 사진을 최초로 상영했다.^[9][10] 1895년 11월 1일, 막스 스클라다노프스키와 그의 형제 에밀은 직접 발명한 필름 영사기인 바이오스코프를 베를린의 빈터가르텐 음악당에서 시연했다. 15분 분량의 8편의 단편 영화가 상영되었는데, 이것이 유료 관객을 대상으로 한 최초의 영화 상영이었다.^[11] 이 공연은 같은 해 12월 28일 파리에서 뤼미에르 형제의 시네마토그래프가 처음으로 유료로 상영되기 전에 열렸으며, 막스 스클라다노프스키는 이 공연에 참석하여 시네마토그래프가 기술적으로 자신의 바이오스코프보다 우수하다는 것을 확인할 수 있었다. 다른 독일 영화 선구자로는 베를린 출신인 오스카 메스터와 막스 글리에베가 있는데, 이들은 1896년에 영사기에서 처음으로 제네바 드라이브 (필름을 한 번에 한 프레임씩 간헐적으로 진행할 수 있게 해주는 장치)를 독립적으로 사용한 여러 사람 중 두 명이며, 영화 촬영 기사 귀도 제버도 포함된다.

UFA에 통합된 바벨스베르크 스튜디오는 대대적으로 확장되었고 독일 영화 산업에 고도로 발달된 인프라를 제공했다. 바벨스베르크는 수년 동안 독일 영화 제작의 중심지였으며, 유럽에서 가장 큰 영화 스튜디오가 되었고 독일 영화의 이 "황금기"에 대부분의 영화를 제작했다.^[17] 본질적으로 "할리우드에 해당하는 독일의 존재"였다.^[18]

1920년대 말에 사운드가 등장하면서 1933년 바이마르 공화국이 붕괴되기 전 독일 영화는 마지막 예술적 절정을 맞이했다. 1918년에 세 명의 발명가가 트라이 에르곤 사운드-온-필름 시스템을 개발하고 1922년에서 1926년 사이에 이를 업계에 도입하려고 시도했다. UFA는 관심을 보였지만, 재정적 어려움으로 인해 무성 영화를 제작하지 못했다.^[29] 그러나 1920년대 후반에 독일 영화 산업에서 사운드 제작 및 배포가 채택되기 시작했고, 1932년까지 독일에는 사운드 영화를 상영할 수 있는 3,800개의 영화관이 있었다.

3. 3. 사회적, 정치적 주제

제1차 세계 대전 이후, 영화는 대중에게 환상의 세계로 도피하는 수단이 되었고, 영화 산업은 호황을 맞이했지만 제작 예산은 항상 빠듯했고 현장에서는 절약을 강요받았다. 그러나 이러한 상황과 당시 유럽에 가득했던 미래에 대한 기대 등이 독일 표현주의의 융성의 요인이 되었다고 할 수 있다.^[16] 표현주의 영화는 스토리를 전달할 때, 사실주의가 아닌 상징주의나 비유 표현에 의존했다. 표현주의 영화의 시작은 종종 로베르트 비네의 칼리가리 박사의 밀실(1920)이라고 일컬어진다. 이 영화는 수면자를 이용하여 일련의 살인을 저지르는 정신 이상자 최면술사의 이야기를 다룬다. 이 영화는 어둡고 뒤틀린 시각적 스타일을 특징으로 한다. 세트는 비현실적이었고 바닥에는 기하학적 이미지가 칠해져 있었고 벽에는 빛과 그림자가 드리워져 있었으며, 연기는 과장되었고 의상은 기괴했다. 독일 표현주의에서 중요한 다른 작품으로는 F. W. 무르나우의 노스페라투(1922)와 카를 베제와 파울 베게너의 골렘(1920) 등이 있다. 1920년대 중반에 표현주의 영화의 움직임은 종언되었지만, 그 후에도 미국의 호러 영화나 필름 느와르, 유럽의 장 콕토나 잉마르 베리만 작품 등, 전 세계의 영화에 영향을 계속 미쳤다.^[21]

신즉물주의의 영향을 받은 영화는 사회적인 주제와 리얼리즘으로 돌아가기 시작했고,^[16] 게오르크 빌헬름 파브스트의 즐거움 없는 거리(1925)나 판도라의 상자(1929) 등이 히트했다. 신즉물주의는 더욱 낙태나 매춘, 동성애, 의존증과 같은 당시 스캔들이었던 소재를 다룬 작품을 낳는 결과로 이어졌다.^[22] 파브스트는 또한 영화 편집의 혁신으로도 유명하며, 예를 들어 카메라의 각도를 반전시키거나 두 개의 카메라 앵글 사이를 자르는 등, 영화의 연속성을 향상시켰고 나중에 업계 표준이 되었다.^[17]

리하르트 오스발트의 영화 다른 사람과는 다르다는 동성애적 성향과 도덕적, 사회적 관습 사이에서 갈등하는 남자를 그렸다. 이 영화는 동성애를 다룬 최초의 독일 영화로 여겨지며, 일부 연구자들은 심지어 이 문제를 명시적으로 다룬 세계 최초의 영화라고 믿는다.^[23] 1919년, 유대인 영화 제작자 막스 니벨리의 영화 의식 살인 (1919)이 상영되었다. 이 영화는 독일 대중에게 반유대주의와 제노포비아의 결과를 처음으로 알렸다.

바이마르 시대의 정치적 견해가 영화에도 영향을 미쳤다. 오토 게뷔르(Otto Gebühr)가 프리드리히 2세를 연기한 애국적인 영화 시리즈가 1920년대에 걸쳐 제작되었고, 신즉물주의에 영향을 받은 영화를 퇴폐적이라고 비판한 우익층의 지지를 받았다.^[25] 요제프 델몬트의 영화 인류 해방 (1920)은 1919년 1월 베를린 사건에 대한 최초의 허구적 설명을 제작했다. 이 영화는 또한 그 시대의 반볼셰비키 영화 중 하나로 여겨진다.^[25]

베르톨트 브레히트는 공산주의를 지지하는 영화 쿨레 맘페(1932)에도 관여했지만, 이 작품은 개봉 후 상영 금지되었다.

5. 영화 산업

전후(戰後) 서독 영화는 헬무트 코이트너 감독의 <사랑과 죽음의 다리>(유고슬라비아·오스트리아 합작), 베른하라트 비키의 <다리>(미수입), O.E.핫세의 <조국을 누가 팔았는가> 등으로 국제적인 평가를 받았다.^[32] 1962년 78편이었던 서독의 영화 제작 편수는 1970년 129편으로 늘어났다. 1970년 당시 3,468개의 영화관을 보유했던 서독은 연간 관객 수 14억 2,000만 명을 기록했으나, 이후 관객 수는 점차 감소했다. 코이트너 감독은 <악마의 장군>을 발표했고, <제복의 처녀>, <회의는 춤춘다> 등 1930년대 표현주의 영화를 재제작하기도 했다. 하우프트만 원작의 <고엽>(볼프강 세타우 감독)도 호평을 받았다.

1980년대 독일 영화 산업은 뉴 저먼 시네마의 피로감에도 불구, 일부 성공적인 작품들을 배출했다. 그러나 1980년대 중반부터 비디오 카세트 레코더 보급과 RTL 텔레비전 등 개인 TV 채널 등장으로 영화 산업은 새로운 경쟁에 직면했다.

현재 독일 영화 산업은 다양한 장르와 수준 높은 작품들을 제작하며 활발하게 유지되고 있다. 특히, 오스트리아, 스위스와의 합작도 활발하다.

5. 1. 제작 및 배급

1980년대 독일 영화의 상업적 성공작으로는 1985년부터 코미디언 오토 발케스가 출연한 '오토' 영화 시리즈, 볼프강 페터젠의 네버엔딩 스토리 (1984) 각색, 그리고 국제적으로 성공을 거둔 U-보트 (1981)가 있는데, 이 영화는 여전히 독일 영화 중 가장 많은 아카데미상 후보 지명 기록(6회)을 가지고 있다.^[32] 1980년대에 두각을 나타낸 다른 주목할 만한 영화 제작자로는 프로듀서 베른트 아이힝거와 감독 도리스 되리, 울리 에델, 로리오 등이 있다.

주류 영화 외에도, 스플래터 영화 감독 요르크 부트게라이트가 1980년대에 두각을 나타냈다.^[32] 1970년대부터 발전한 예술 영화관("Programmkinos")은 헤르베르트 아흐턴부쉬, 하르크 뵘, 도미니크 그라프, 올리버 헤르브리히, 로자 폰 프라운하임, 크리스토프 슐링겐지프와 같은 덜 주류적인 영화 제작자들의 작품을 위한 장소를 제공했다.

1980년대 중반부터 비디오 카세트 레코더의 보급과 RTL 텔레비전과 같은 개인 TV 채널의 등장은 극장 영화 배급에 새로운 경쟁을 제공했다.^[32] 1976년 1억 1510만 명의 방문으로 역대 최저치를 기록한 후 1970년대 후반에 약간 회복세를 보였던 영화 관람객 수는 1980년대 중반부터 다시 급격히 감소하여 1989년에는 1억 160만 명의 방문으로 마감되었다.^[32] 그러나 비디오로 제공되는 영화의 백 카탈로그는 시청자와 개별 영화 간의 다른 관계를 가능하게 했고, 개인 TV 채널은 영화 산업에 새로운 자금을 투입했으며 새로운 재능이 나중에 영화로 이동할 수 있는 발판을 제공했다.

정부 당국에서 제공하는 주요 제작 인센티브는 독일 연방 영화 기금(Deutscher Filmförderfonds, DFFF)이다.^[63][64] DFFF는 문화 및 미디어 연방 정부 위원(Staatsministerin für Kultur und Medien)이 제공하는 보조금이다.^[63][64] 보조금을 받기 위해서는 제작자가 문화적 자격 테스트를 포함한 여러 요구 사항을 충족해야 한다.^[63][64] 이 기금은 매년 영화 제작자 또는 공동 제작자에게 5000만유로를 제공하며, 보조금은 승인된 독일 제작 비용의 최대 20%까지 지원할 수 있다.^[63][64] 제작 비용의 최소 25%는 독일에서 사용해야 하며, 제작 비용이 2000만유로를 초과하는 경우에는 20%만 사용해도 된다. DFFF는 2007년에 설립되었으며 모든 카테고리와 장르의 프로젝트를 지원해 왔다.

2015년에는 독일 영화 진흥 기금이 6000만유로에서 5000만유로로 삭감되었다.^[63][64] 이를 보상하기 위해 가브리엘 재무부 장관은 그 차액을 연방 경제 및 기후 행동부 (Bundesministerium für Wirtschaft und Klimaschutz) 예산으로 충당할 것이라고 발표했다.^[63][64] 독일에서 처음으로 주요 TV 시리즈와 디지털 영화 제작이 장편 영화와 동일한 방식으로 연방 차원에서 자금을 지원받게 될 것이다.^[65] 자금 지원은 또한 국제 공동 제작으로 점점 더 많이 흘러들어가고 있다.

1979년에는 독일 주에서도 자체 제작 장소를 지원할 의도로 자금 지원 기관을 설립하기 시작했다.^[63][64] 오늘날, 연방 주의 영화 자금 지원은 독일 영화 자금 지원에서 가장 큰 비중을 차지한다.^[63][64] 총 2억유로가 넘는 보조금이 매년 분배되며, 증가 추세에 있다.

영화 자금 지원의 역사는 독일에서 산업과 은행의 자금으로 친독일 선전 영화를 제작하기 위해 UFA GmbH (1917)가 설립되면서 시작되었다.^[63][64] 국가 사회주의 시대(1933–1945) 동안 국가는 Filmkreditbank GmbH (FKB) (영화 신용 은행)를 설립하여 영화 프로젝트 자금 조달을 간접적으로 장려했다.

제2차 세계 대전 종전 후, 많은 장편 영화가 처음에는 연방 보증의 지원을 받았다.^[63][64] 그러나 현재 형태의 영화 자금 지원은 1950년대에 텔레비전이 영화를 대체하기 시작하면서 발전했다.^[63][64] 1967년에는 처음으로 영화 자금 지원법이 통과되었다.^[63][64] 베를린에 본부를 둔 Filmförderungsanstalt (FFA) (영화 기금 기관)는 1968년에 설립된 최초의 주요 자금 지원 기관이었다.

비평가들은 독일의 영화 자금 지원이 제도적으로 파편화되어 모든 조치를 조정하는 것이 사실상 불가능하며, 이는 궁극적으로 제작의 질에 도움이 될 것이라고 비판한다.^[63][64] 또한, 일괄적인 보조금 배포는 제작 비용을 회수하는 영화를 제작하려는 인센티브를 억누른다고 말한다.

독일 영화 아카데미(Deutsche Filmakademie)는 2003년 베를린에서 설립되었으며, 자국 영화 제작자들에게 토론의 장을 제공하고, 출판, 발표, 토론 및 학교에서의 정기적인 홍보를 통해 독일 영화의 명성을 높이는 것을 목표로 한다.^[63][64] 2005년부터, 독일 영화상(도이체 필름아카데미) 수상자는 '롤라'로도 알려져 있으며, 도이체 필름아카데미 회원들이 선출한다. 300만유로의 상금이 걸려 있어, 독일 문화상 중 가장 상금이 많은 상이다.

연도	영어 제목	원제	감독
2005	고 포 주커	Alles auf Zucker!	레비
2006	타인의 삶	Das Leben der Anderen	도너스마르크
2007	포 미닛	Vier Minuten	크라우스
2008	천국의 가장자리	Auf der anderen Seite	아킨
2009	존 라베	John Rabe	갈렌베르거
2010	하얀 리본	Das weiße Band	하네케
2011	빈센트 앤 더 씨	Vincent will Meer	Ralf Huettner
2012	멈춰선 트랙	Halt auf freier Strecke	드레젠
2013	베를린에서 커피 한 잔	Oh Boy	게르스터
2014	고향에서	Die andere Heimat	라이츠
2015	빅토리아	Victoria	시퍼
2016	프리츠 바우어 대 사람	Der Staat gegen Fritz Bauer	크라우메

5. 2. 영화 지원 정책

독일 연방 영화 기금(Deutscher Filmförderfonds, DFFF)은 문화 및 미디어 연방 정부 위원(Staatsministerin für Kultur und Medien)이 제공하는 주요 제작 인센티브이다.^[63][64] 보조금을 받으려면 제작자는 문화적 자격 테스트를 포함한 여러 요구 사항을 충족해야 한다. 이 기금은 매년 영화 제작자 또는 공동 제작자에게 5000만유로를 제공하며, 보조금은 승인된 독일 제작 비용의 최대 20%까지 지원할 수 있다. 제작 비용의 최소 25%는 독일에서 사용해야 하며, 제작 비용이 2000만유로를 초과하는 경우에는 20%만 사용해도 된다. DFFF는 2007년에 설립되었으며 모든 카테고리와 장르의 프로젝트를 지원해 왔다.

2015년에는 독일 영화 진흥 기금이 6000만유로에서 5000만유로로 삭감되었다. 이를 보상하기 위해 가브리엘 재무부 장관은 그 차액을 연방 경제 및 기후 행동부 (Bundesministerium für Wirtschaft und Klimaschutz) 예산으로 충당할 것이라고 발표했다.^[63][64]

1979년에는 독일 주에서도 자체 제작 장소를 지원할 의도로 자금 지원 기관을 설립하기 시작했다. 오늘날, 연방 주의 영화 자금 지원은 독일 영화 자금 지원에서 가장 큰 비중을 차지한다. 총 2억유로가 넘는 보조금이 매년 분배되며, 증가 추세에 있다.

영화 자금 지원의 역사는 독일에서 산업과 은행의 자금으로 친독일 선전 영화를 제작하기 위해 UFA GmbH (1917)가 설립되면서 시작되었다. 국가 사회주의 시대(1933–1945) 동안 국가는 Filmkreditbank GmbH (FKB) (영화 신용 은행)를 설립하여 영화 프로젝트 자금 조달을 간접적으로 장려했다.

제2차 세계 대전 종전 후, 많은 장편 영화가 처음에는 연방 보증의 지원을 받았다. 그러나 현재 형태의 영화 자금 지원은 1950년대에 텔레비전이 영화를 대체하기 시작하면서 발전했다. 1967년에는 처음으로 영화 자금 지원법이 통과되었다. 베를린에 본부를 둔 Filmförderungsanstalt (FFA) (영화 기금 기관)는 1968년에 설립된 최초의 주요 자금 지원 기관이었다.

비평가들은 독일의 영화 자금 지원이 제도적으로 파편화되어 모든 조치를 조정하는 것이 사실상 불가능하며, 이는 궁극적으로 제작의 질에 도움이 될 것이라고 비판한다. 또한, 일괄적인 보조금 배포는 제작 비용을 회수하는 영화를 제작하려는 인센티브를 억누른다고 말한다.

5. 3. 영화제

독일 영화 아카데미(Deutsche Filmakademie)는 2003년 베를린에서 설립되었으며, 독일 영화 제작자들에게 토론의 장을 제공하고, 출판, 발표, 토론 및 학교에서의 정기적인 홍보를 통해 독일 영화의 명성을 높이는 것을 목표로 한다.